Figuratives

70 x 70 cm
Acrilyc painting on canvas
Spring 2025

Carry that Weight is een intrigerend symbolisch schilderij dat de last van het menselijk lichaam onderzoekt. In het midden staat een naakte vrouw die een enorme amorfe vorm op de schouders draagt – een visuele metafoor voor de emotionele, mentale en spirituele lasten die mensen met zich meedragen. Rondom de centrale figuur ontvouwt zich een surrealistisch landschap gevuld met abstracte dromerige elementen: vervormde gezichten en mysterieuze objecten die doen denken aan dromen of herinneringen.

De kleuren zijn warm en contrastrijk: Het goudbruine land lijkt te gloeien, terwijl het bovenste deel van het doek koeler is met golvende blauwe en paarse lijnen, als in een innerlijke oceaan. De figuren op de achtergrond lijken toeschouwers of schaduwen uit het verleden te zijn, en versterken het gevoel van introspectie en psychologische diepte.

Dit werk nodigt de aanschouwer uit om na te denken over de lasten die wij dragen, vaak onzichtbaar voor de buitenwereld, maar diep voelbaar van binnen. Het is een poëtische en visueel rijke verbeelding van kwetsbaarheid, doorzettingsvermogen en menselijkheid.

Carry that Weight

is an intriguing and symbolis painting that explores the burden of human existence. At its center stands a nude woman carrying a large amorphous shape on their schoulders – a visual metaphor for the emotional, mental and spiritual weights we bear. Surrounding the central figure is a surreal landscape filled with abstact and dreamlike elements: distorted faces and mysterious objects reminiscentof dreams or memories.

The colors are warm and contrasting: the golden-brown ground seems to glow,while the upper part of the canvas features cooler tones with flowing blue and purple lines, like an inner ocean. The background figures appear to be observers or shadows from the past, enhancing the sense of introspection and psychological depth.

This piece invites the viewer to reflect on the burdens we carry – often invisible to the outside world but deeply felt within. Its a poetic and visually rich depiction of vulnerability, resilience, and the human condition.

60 x 50 cm
Oil painting on canvas with 24 carat Gold leaf
Spring 2023

Gaslighting verbeeldt op poëtische en beklemmende wijze het psychologische fenomeen waarbij iemands realiteitszin wordt ondermijnd. De spiraalvorm in het hoofd symboliseert de mentale verwarring. De gefragmenteerde vormen en het spel van licht en schaduw benadrukken het dualisme tussen waarheid en leugen, macht en kwetsbaarheid.

Een krachtig werk dat uitnodigt tot reflectie op manipulatie, perceptie en de fragiele aard van de menselijke psyche.

Gaslighting

Gaslighting poetically and hauntingly visualizes the psychological phenomenon where a person’s sense of reality is destabilized. The spiral in the head symbolizes mental disorientation. Fragmented shapes and the interplay of light and shadow highlight the tension between truth and lies, power and vulnerability.

A powerful work that invites reflection on manipulation, perception, and the fragile nature of the human mind.

120 x 100 cm
Oil painting/epoxy on Canvas
Spring 2024

In Madre Tierra wordt de essentie van Moeder Aarde gevangen in een meditatieve , zittende figuur, opgebouwd uit een mozaïek van kleurrijke organische vormen. De silhouet is abstract en toch herkenbaar: een menselijke lichaam dat symbool staat voor de aarde zelf – een levend geheel van uiteenlopende elementen die samen een harmonieus geheel vormen.

De felle kleuren – aardetinten vermengd met levendige blauwen, groenen en roden lijken rivieren, wortels, gesteente en flora te verbeelden. Ze vloeien in elkaar over als natuurlijke ecosystemen, zonder grenzen, zonder hiërarchie.
De donkere achtergrond benadrukt de innerlijke rijkdom van de figuur en zet haar in een serene, bijna sacrale ruimte.

Dit schilderij nodigt uit tot contemplatie over onze verbondenheid met de aarde, over het innerlijke landschap dat in ieder van ons leeft, en over de kracht van diversiteit in balans. Madre Tierra is zowel een ode als een herinnering: wij zijn niet los van de natuur – wij zijn de natuur.

Madre Tierra

Madre Tierra captures the essence of Mother Earth in a meditative, seated figure composed of a mosaic of colorful, organic shapes. The silhouette is abstract yet unmistakably human – representing the Earth itself as a living, breathing entity made up of diverse elements flowing together in harmony.

The vivid palette – a blend of earthy tones with vibrant blues, greens, and reds – evokes rivers, roots, stones, and plant life. These colors interwave like natural ecosystems, with no borders or hierarchy. The dark background highlights the internal richness of the figure, placing her in a serene, almost sacrad space.

This painting invites quiet reflection on our deep connection to the Earth, the inner landscapes that live within us, and the strength found in diversity and balance. Madre Tierra is both an ode and a reminder: we are not separate from nature – we are nature.

60 x 50 cm
Acrilyc painting on canvas
Winter 2025

Robine is een fascinerend portret waarin het vrouwelijke mysterie wordt omhuld door abstracte vormen en ritmische lijnen. Het gezicht, slechts gedeeltelijk zichtbaar, doemt op uit een doolhof van blauw omrande patronen die lijken te pulseren – als zenuwbanen, herinneringen of emoties in beweging. De heldere doordringende ogen trekken direct de aandacht: ze kijken niet alleen naar buiten, maar lijken ook naar binnen te kijken, als spiegels van het innerlijk leven.

Aan de rechterzijde van het doek vloeit een warme, aardse textuur in koper en goudtinten, die doet denken aan vuur, aarde of een organisch landschap. Deze zijde vormt een contrast met de grafische, bijna digitale structuur aan de linkerkant – alsof twee werelden elkaar raken: het geestelijke en het lichamelijke, het innerlijke en het uiterlijke.

De naam Robine geeft het werk een persoonlijke lading, maar blijft open voor interpretatie: het kan een persoon zijn, een herinnering, een idee. Het schilderij nodigt uit tot reflectie over identiteit, verbinding en de complexe gelaagdheid van het zelf.

Robine

Robine is a captivating portrait in wich feminine is wrapped in abstract forms and rhytmic lines. The face, only partially revealed, emerges from a maze of blue-outlined patterns that seem to pulse-like nerves, memeories, or emotions in motion. The bright, penetrating eyes immediately draw attention: they gaze not only outward but also inward, as mirrors of an inner world.

On the right side of the canvas, a warm, earthy texture flows in copper and golden tones, evoking fire, earth, or an organic landscape. This area contrasts sharply with the graphic, almost digital structure on the left- as if two worlds are colliding: the spiritual and the physical, the inner and the outer.

The name Robine gives the work a peronal touch while remaining open to interpretation: it mat be a person, a memory, or an idea. The painting invites reflection on identity, connection, and the layered complexity of the self.

80 x 60 cm
Oil painting on Canvas
Summer 2024

The judge is een krachtig en raadselachtig portret waarin abstractie en symboliek samenkomen tot een raadselachtige figuur die gezag en introspectie uitstraalt. Het markante rode hoofddeksel en de asymmetrisch opgebouwde gezichtsstructuur trekken meteen de aandacht – als een masker van macht, maar ook van vervreemding.

Het gezicht lijkt gelijktijdig menselijk en vervormd, opgebouwd uit fragmenten van andere vormen, kleuren en texturen. De gesloten ogen en de samengevouwen suggereren overpeinzing of oordeel, maar ook innerlijke verdeeldheid. Het werk speelt met het perspectief, waarbij delen van het lichaam als architectonische elementen aanvoelen: muren, ramen, fundamenten – alsof deze rechter ook een bouwwerk is van zijn omgeving, overtuigingen en verleden.

De gele achtergrond contrasteert sterk met het koele, blauw dat de figuur omhult. Deze tegenstelling versterkt het spanningsveld tussen emotie en rede, tussen menselijkheid en afstand.

The Judge is geen portret van een individu, maar van een archetype: de oordelende kracht in ieder van ons. Het schilderij nodigt uit tot reflectie over hoe we waarnemen, beslissen en onszelf en andere beoordelen – en hoe complex die processen werkelijk zijn.

The Judge

The Judge is a powerful and enigmatic portrait where abstraction and symbolism merge into a layered figure radiating both authority and introspection. The striking red headpiece and asymmetrical facical structure immediatly draw attention.

The face appears both human and distorted, constructed from fragments of other shapes, colors, and textures. Closed eyes and folded hands suggest contemplation or judgement, but also inner division. The work plays with persective, with parts of the body resembling architectural elements: wals, windows, foundations – as if this judge is also a construct of their surroundings, beliefs, and past.

The bright yellow ground contrasts sharply with the cool, melancholic blues that envelop the figure. This tension heightens the contrast between emotion and reason, between humanity and detachment.

The Judge is not a portrait of an individual, but of an archetype – the judging force within each of us. The painting invites reflection on how we percieve, decide, and judge ourselves and others – and how complex those processes truly are.

120 x 80 cm
Acrylic painting on canvas, carat goldleaf
Summer 2025

De Venus of Berekhat Ram is waarschijnlijk de oudst bekende menselijke afbeelding van een vrouw. Het werd gevonden in 1981 op de Golanhoogten in Israël nabij het meer van Berekhat Ram.
De ouderdom wordt geschat 250.000 tot 280.000 jaar wat betekent dat gemaakt is door een vroege mensensoort zoals Homo erectus of een vroege Homo sapiens.

Hendrik is vooral gefascineerd door het feit dat de eerst bekende menselijke soort, al over een intelligentie beschikte in een periode dat er nog zelfs geen taal bestond, er in de menselijke geest al de behoefte bestond om zich kunstzinnig te uitten, en afbeeldingen te maken en daarmee een nalatenschap te creëren van hun bestaan in de vroege prehistorie.

Het schilderij symboliseert twee figuren naar de Venus of Berekhat Ram in een geabstraheerde omgeving. Het neemt de aanschouwer mee in een reis naar the distant past.

The Venus of Berekhat Ram

The venus of Berekhat Ram is a small, stone object that may be the oldest known humandepiction of a woman. It was discoverd in 1981 on the Golan Heights in Israel, near Lake Berekhat Ram.
The age of the object is estimated at around 250.000 to 280.000 years, meaning it could have been made by an early human species such as Homo erectus or an early form of Homo sapiens.

Hendrik is especialy fascinated by the fact that the earliest known human species already possessed intelligence at a time when language did not yet exist. In the human mind there already was the need to express oneself artistically and to create images, thereby leaving a legacy of their existence in early prehistory.

The painting symbolizes two figures inspired by the Venus of Berekhat Ram in an abstract environment. It takes the viewer on a journay into the distant past.

80 x 60 cm
Oil painting on canvas
Summer 2022

Isabelle is een intrigerend, expressief schilderij waarin het vrouwelijke lichaam op abstracte wijze is gevormd en opnieuw gedefinieerd. De centrale figuur vrouwelijk, wordt weergegeven met ronde kegelvormige borsten en een naakte gestileerde achterkant. Haar gezicht toont twee contrasterende helften. Een symboliek die dualiteit en innerlijke strijd weergeeft.

Isabelle

Isabelle is an intriguing, expressieve painting in which the female form is abstracted and reimagined. The central figure feminine, is portrayed with conical breasts and a stylized nude backside. Her face is split in two contrasting halves. Symbolizing duality, introspection, of a inner conflict.

100 x 70 cm
Oil painting on canvas
Summer 2022
Moonbird is een intrigerend, mysterieus schilderij dat speelt met vorm, licht en symboliek. In het midden van de compositie zweeft een vogelachtige figuur met iriserende kleuren – Zachte blauwen, groene en subtiele rode accenten die doen denken aan maanlicht dat weerspiegeld wordt op veren. De vogel is deels doorvlochten met abstracte, sculpturale vormen, waardoor het lijkt alsof het wezen zich bevindt tussen droom en realiteit.

Opvallend is het bovenste deel van het werk, waar een roze, segmentachtig element als een maanvormige parel balanceert op een reeks golvende zwarte lijnen – mogelijk verwijzend naar haar, water of kosmische energie. De achtergrond is overwegend donker, wat de centrale vormen extra diepte en focus geeft, en de sfeer geheimzinnig maakt.

Ondanks de abstractie is er een duidelijke thematische lijn: de titel Moonbird suggereert een mythisch wezen, een bewoner van de nacht, een boodschapper tussen werelden. De aanwezigheid van organische en geometrische elementen versterkt het idee van dualiteit: natuurlijk en kunstmatig, tastbaar en spiritueel.

Moonbird roept een gevoel van op van stille observatie, alsof de vogel getuige is van een innerlijk of kosmische transformatie. Het schilderij laat zich lezen als een visuele poëzie, waarin elk element meerduidig is en uitnodigt tot reflectie over identiteit, metamorfose en verbinding met het onbekende.

Moonbird

Moonbird is an intriguing and mysterious painting that plays with form, light, and symbolism. At the center of the composition, a birdlike figure emerges in iridescent hues-soft blues, greens, and subtle red accents-that evoke moonlight reflecting off feathers. The creature appears partially entwined with abstract, sculpyural forms, as if it exists in a space between dream and reality.

One striking feature is the segment, pink form at the top of the painting-resembling a lunar pearl-resting on a cascade of black wave-like lines, possibly symbolizing hair, water, or cosmic energy. The backgroud is predominantly dark, lending depth and focus to the central figures, and reinforcing the painting’s enigmatic atmosphere.

Despite its abstraction, a thematic tread runs clearly through the work: the title Moonbird suggests am mythical being, a nocturnal presence, a messenger between worlds. The interplay of organic and geometric elements highlights a sense of duality-natural and artificial, tangible and spiritual.

Moonbird evokes a sense of quiet observation, as if the bird is witnessing an inner or cosmic transformation. THe painting reads like visual poetry, where each element carries layered meaning and invites contemplation of identity, metamorphosis, and connection to the unknown.

35 x 55 cm
Oil painting on Canvas
Summer 2022

Lost toont een organische, bijna sculpturale vorm die lijkt te zweven in een ijle, groenblauwe ruimte. Het beeld oogt als een verstrengelde massa van huid, bot of fossielachtig materiaal – een vorm zonder duidelijke oorsprong of bestemming. De kronkelende, vervormde structuren roepen een gevoel van verwarring en desoriëntatie op, alsof het werk een moment van existentiële verdwaling vastlegt.

De getextureerde ondergrond, met haar gebarsten en geschuurde oppervlak, versterkt het idee van erosie en verval. Alsof we kijken naar iets wat ooit herkenbaar was, maar inmiddels door de tijd en omstandigheden is getransformeerd tot een raadselachtig overblijfsel.

In Lost wordt het verlies niet enkel als een gemis gepresenteerd, maar als een toestand op zich: een lichamelijk en mentaal doolhof waarin oriëntatie onmogelijk is. Een indringend beeld van de fragiele grens tussen vorm en vervaging tussen herinneren en vergeten.

Lost

Lost presents an organic, almost sculptural form that seems to float in a pale green-blue void. The image resembles an tangled mass of skin, bone or fossil = like material – a shape without clear origin or destination. The twisting, distorted structures evoke a sense of confusion and disorientation, as if the work captures a moment of existential drifting.

The textured surface, marked by cracks and abrasions, reinforces the idea of erosion and decay. It feels as though we are witnessing something that was once familiar, now transformed by time and cicumstance into a mysterious remment.

In Lost, loss is not simply presented as absence, but as a state of being – a physical and mental labyrinth where orientation is impossible. A haunting image of the fragile boundary between form and dissolution, between remembering and forgetting.

80 x 60 cm
Oil painting on Canvas
Winter 2021
Een zacht profiel geboetseerd uit warme aarde en stille dromen, ogen gesloten,
alsof de wereld te zwaar is om te dragen.

Langs het voorhoofd stromen draden van licht en schaduw,
druppelend als ongehuilde tranen, fluisterend wat niet wordt gezegd.

In een omhelzing van een gouden kader blijft de stilte hangen, breekbaar als porselein, kwetsbaar als het hart dat zich schuilhoudt achter gesloten wimpers.

Vulnerable

A soft profile, sculpted from warm earth and quiet dreams eyes closed,
as if the world is too heavy to bear.

A long the forehead flow threads of light and shadow,dripping like unshed tears,
whispering of what remains unspoken.

In the embrace of a golden frame the silence lingers, fragile as porcelain,
vulnerable as the heart hiding behind closed lashes.